Étude de deux toiles de Marie-Amélie Cognietreprésentant l’atelier de Léon Cogniet.

Par Jean-Louis Gautreau 

Au printemps 1892, 16 caisses, contenant 1 240 dessins et 167 peintures, furent déposées au musée des Beaux-Arts d’Orléans. Il s’agissait de l’important legs Cogniet-Thévenin : les donatrices étaient Caroline Cogniet, née Thévenin (épouse du peintre Léon Cogniet, Grand Prix de Rome), et sa sœur, Rosalie Thévenin.  Il rassemble des œuvres majeures de Léon Cogniet, mais également de sa sœur, Marie-Amélie, ainsi que de Caroline et Rosalie.  De nombreuses études des élèves du Maître figuraient aussi dans ce legs. Cet ensemble joua un rôle déterminant dans la constitution du fonds de peinture du XIXe siècle du musée.

Nous allons étudier deux petites toiles de Marie-Amélie Cogniet, actuellement exposées dans la salle 23 du musée d’Orléans.

Les peintres

Marie-Amélie Cogniet (1798-1869) était une artiste peintre, à la fois sœur et élève du peintre et professeur d'art Léon Cogniet. Elle a été sa principale assistante.

En 1831, elle exécute des vues du grand atelier parisien de son frère, installé au n^o 9, rue de la Grange-aux-Belles (10^earrondissement, près du canal Saint-Martin). Dans cet espace de grandes dimensions, Marie-Amélie a choisi de montrer son frère en train de travailler à une commande officielle destinée à un plafond du musée du Louvre.

Entre 1840 et 1860, Marie-Amélie anima également, un atelier de femmes sous la direction de son frère qui dirigeait principalement l'atelier des hommes. Très fréquenté, cet atelier féminin était au n^o 50, rue des Marais-Saint-Martin (la rue a en grande partie disparu, elle était située de l’autre côté du canal), Par ailleurs, Marie-Amélie a exposé aux Salons de 1831 à 1843.

Plus tard, l'atelier des femmes sera dirigé par Rosalie Thévenin(1813-1892), une élève du Maître, qui épousera tardivement Léon Cogniet en 1865. Ce dernier avait 70 ans.

Il est aussi probable que ces deux femmes ont été des collaboratrices du peintre pour certaines grandes compositions.

Léon Cogniet(1794-1880) entre à l’école des Beaux-Arts de Paris en 1812. Il étudie avec Pierre-Narcisse Guérin (1774-1833 – Prix de Rome en 1797), et devient l’ami de Théodore Géricault, Eugène Delacroix, Ary Scheffer, Henry Scheffer, Jean Alaux, etc.

Après deux échecs, en 1815 (« Briséis pleurant Patrocle » ou « Briséis, rendue à Achille, découvre dans sa tente le corps de Patrocle » – musée d’Orléans), et en 1816 (« Oenone refusant de secourir Pâris » - musée de Fécamp), il remporte le Grand Prix de Rome de Peinture d’Histoire en 1817, avec « Hélène délivrée par Castor et Pollux » (Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris). Il part à la villa Médicis à Rome en compagnie du peintre Achille-Etna Michallon (1796-1822), lauréat, cette même année, du Grand Prix de Rome du Paysage historique, nouvelle catégorie du concours, créée en 1816. .

Léon Cogniet reste pensionnaire de l’Académie de France à Rome de 1817 à 1822.

A son retour en France, il participe aux salons de peinture avec succès, et reçoit des commandes officielles. Il ouvre un atelier, fréquenté par de jeunes artistes,

Description des deux tableaux

Ces deux petites toiles présentent un intérêt documentaire exceptionnel. Elles montrent, avec une grande fidélité, et sous deux angles différents, l’atelier personnel du Maître. Elles illustrent aussi l’atmosphère d’un atelier d’artiste de renom qui prépare des élèves au concours du Grand Prix de Rome.

1-Premier tableau. Composition verticale

Le tableau montre la grande verrière, généralement orientée au nord, qui éclaire l’atelier. Au centre de la toile, Léon Cogniet, vêtu d’une redingote verte à col noir, est assis sur un plan incliné. Il porte des lunettes. Il est dans une attitude de réflexion et semble contempler quelque chose (probablement l’une de ses toiles) hors cadre. Derrière lui, une échelle permet d’accéder à un rebord situé au niveau de la verrière, afin de pouvoir régler l’intensité de la lumière à l’aide de toiles. A droite de la composition, on reconnaît la Vénus de Médicis, en plâtre, posée sur un poêle en faïence blanche. Devant les pieds de la Vénus, on remarque un buste en plâtre d’Homère.

Dans l’angle inférieur droit, une étude pour le portrait du Maréchal Nicolas Joseph Maison, est posée contre le poêle. En 1829, Léon Cogniet a reçu la commande de ce portrait en pied, afin d’orner la salle des Maréchaux au Palais des Tuileries (détruit en 1871). Une petite esquisse du tableau final est conservée dans la salle 23 du musée d’Orléans.

Au fond de l’atelier, Marie-Amélie, en robe bleue, peint une toile posée sur un chevalet. Derrière elle, on remarque un petit cabinet fermé par une porte jaune. On peut imaginer qu’il contient un lit de repos. Un escalier de bois permet de monter sur le toit du cabinet où sont disposés des plâtres d’art. Sur le mur du fond, on distingue quatre petites études de nus. A gauche de la verrière, une ouverture donne peut-être accès à une terrasse. 

2-Second tableau. Composition horizontale

Même atelier, un autre jour. A gauche, Léon Cogniet, en blouse blanche et pantalon gris à rayures, se tient debout sur une petite caisse ; il est appuyé contre l’échelle qui mène à la verrière. Un pinceau à la main, il a pris du recul pour contempler la grande toile ébauchée sur laquelle il travaille : « L’Expédition d’Egypte sous les ordres de Bonaparte », destinée au plafond de la salle des papyrus et des manuscrits grecs du musée Charles X, au Louvre. Commandée en 1828, cette toile (3,76 x 5,80 m) sera livrée en 1835. 

Marie-Amélie est assise devant la toile, elle porte une robe et une coiffure à la mode romantique. Elle tient aussi un pinceau, et regarde son frère, attendant ses ordres ou ses indications. Elle est peut-être chargée d’ombrer le dessin porté sur la toile, afin de mettre en place les volumes.

Sur le côté droit, apparaît l’amorce d’une grande toile encadrée.

A l’arrière plan, un élève, assis devant un chevalet, copie un portrait du Maître. A l’extrême gauche, un jeune apprenti surgit dans la composition. Au premier plan, un élégant manteau rouge à doublure rose, appartenant à Marie-Amélie, est jeté négligemment sur une chaise.

L’arrière-plan de l’atelierest très intéressant. On retrouve le poêle en faïence surmonté de la Vénus Médicis. Une vingtaine de petites toiles sont rassemblées autour d’une horloge (dans une monture ronde et rouge) qui rythme la vie de l’atelier. Les toiles sont les pochades de paysages ou de portraits que le peintre a rapportées de son séjour en Italie.

La grande table est couverte de feuilles de papier d’où émerge un petit cheval blanc. A droite de la Vénus, appuyée contre une pile de dessins, une petite peinture est identifiable, c’est l’« Etude d’Oriental » de Michallon (collection du musée d’Orléans).  Deux cartons bourrés de dessins sont appuyés contre la table.

Sur le mur, la grande toile représente « Caïn et Abel ». Cette œuvre de Léon Cogniet n’est pas localisée, mais le musée possède plusieurs études préparatoires. Sous le cadre, un petit plâtre est suspendu. Selon un correspondant du musée, il est possible que ce soit le masque mortuaire de Théodore Géricault. Ce peintre, décédé prématurément en 1824, était un ami proche de Léon Cogniet. En effet, quelques années après sa mort, le masque mortuaire de Géricault fit l’objet d’une véritable vénération de la part des artistes, qui en accrochaient fréquemment un exemplaire dans leurs ateliers.

A gauche, on découvre un autre cabinet semblable à celui du premier tableau, il occupe l’angle opposé de la pièce. La porte est ouverte. Sur le mur du cabinet, on reconnaît une esquisse de la toile qui a permis à Cogniet d’obtenir le second prix au concours de 1815 (« Briséis pleurant Patrocle »). Des plâtres d’art sont rassemblés au-dessus du cabinet, parmi lesquels on distingue la tête de l’un des « esclaves » de Michel-Ange.   

L’atelier de Léon Cogniet - Préparation au concours

Dans l’atelier de Léon Cogniet, comme dans tous les ateliers d’artistes importants, les élèves apprenaient à travailler selon des méthodes académiques:

-d’après des moulages en plâtre de sculptures antiques célèbres. La pratique du dessin était d’une importance primordiale.

-d’après des modèles vivants (uniquement masculins) qui posaient nus. Pour dessiner des sujets féminins, les élèves devaient se contenter de sculptures en plâtre.

-et en copiant les œuvres du Maître.

Seuls les élèves les plus talentueux préparaient le concours du Prix de Rome.

Le concours du prix de Rome

Le concours était ouvert à tout concurrent de sexe masculin (les femmes n’obtiendront le droit de concourir qu’en 1903), célibataire, âgé de moins de trente ans, et déjà admis à l’École des Beaux-Arts.

Il se déroulait sur quelques semaines et en trois étapescorrespondant à trois épreuves successives.

1-Durant la première épreuve, les candidats (une centaine) devaient réaliser, en douze heures, une esquisse peinte à l’huile (format 32,5 x 40,5 cm) dont le thème était toujours emprunté à l’histoire biblique ou mythologique.

2-À l’issue de cette épreuve, les sélectionnés (une vingtaine) devaient peindre une étude de nu (format 81 x 65 cm), en quatre sessions de sept heures.

3-La troisième et dernière épreuve, la plus importante, se déroulait en deux phases. Les candidats étaient enfermés dans des cellules individuelles, à l’intérieur de l’école.

Dans un premier temps, sur un sujet historique imposé (antiquité, mythologie, thème biblique), les candidats devaient exécuter, en douze heures, une esquisse de leur composition finale (format 24,5 x 32,5 cm).

Enfin, dans une phase ultime de soixante-douze jours, les élèves travaillaient à leur grande toile (format 113,7 x 146,5 cm). La composition finale ne devait pas différer de l’esquisse initiale conservée par les juges.

Chaque année, le lauréat du premier prix bénéficiait d’un séjour de cinq ans, tous frais payés, dans la villa Médicis à Rome. A son retour en France, il était assuré d’avoir une belle carrière, et de recevoir des commandes officielles.

Quelques élèves de Léon Cogniet ont accédé à une réelle célébrité - certains ont obtenu le Grand Prix de Rome :

-Félix-Joseph Barrias (1822-1907 – Grand Prix de Rome en 1844) – Léon Bonnat (1833-1922) – François Chifflard (1825-1901 – Grand Prix de Rome en 1851) – Alfred Dedreux (1810-60) – Alfred Dehodencq (1822-82) - Augustin Feyen-Perrin (1826-88) – Adolphe Hervier (1818-79) - Jean-Paul Laurens (1838-1921) – Fortuné Layraud (1833-1913 – Grand Prix de Rome en 1863) - Jules Lefebvre (1834-1912 – Grand Prix de Rome en 1861) – Ernest Meissonier (1815-91) – Dominique Papety (1815-49 – Grand Prix de Rome en 1836) – Tony Robert-Fleury (1837-1911).

Parmi ses nombreuses élèves figurait Nélie Jacquemart (1841-1912) qui sut rassembler avec son époux, Edouard André, la prodigieuse collection du musée Jacquemart-André à Paris, et de l’abbaye de Chaalis (Oise).

Conclusion

Dans ces deux petites toiles au charme indéniable, Marie-Amélie a su rendre l’atmosphère romantique et studieuse qui régnait dans cet atelier qu’elle fréquentait assidûment. Elle leur a donné une étonnante et authentique valeur documentaire, par les nombreux petits détails très précis qu’elle a rassemblés. C’est aussi un hommage admiratif à son frère. En regardant attentivement ces deux petites œuvres, nous pouvons, par l’imagination, nous retrouver plongé dans l’atelier d’un peintre officiel, Grand Prix de Rome, au début du règne de Louis-Philippe.  

    Propriété Caillebotte

(département : Essonne - 91)

Mais en 1843, sa faillite l’oblige à vendre le domaine à la veuve de Martin-Guillaume Biennais, célèbre orfèvre et ébéniste de Napoléon 1^er et de la famille impériale.

De son passage dans la maison ne restera que le mobilier de la chambre à coucher  en acajou et bronze doré provenant directement des ateliers de son défunt mari (et ce jusqu’en 1962).

La famille Caillebotte acquiert le domaine en 1860pour en faire sa résidence d’été. Martial Caillebotte père l’embellit et agrandit notablement le potager.

L'un de ses fils, Gustave Caillebotte (1848-94) est un célèbre peintre proche des impressionnistes, et grand collectionneur. C'est dans cette propriété qu'il réalisa plus du tiers de ses œuvres (89 toiles).

La famille vend la propriété en 1879, peu de temps après le décès de la mère de Gustave Caillebotte.

Après avoir connu plusieurs autres propriétaires, le domaine est acquis par la commune en 1973 au franc symbolique.

De 1995 à aujourd’hui, la municipalité n’a eu de cesse de la rénover, célébrant ainsi l’art de vivre au XIXe siècle d’une maison de la bourgeoisie française au sein d’un vaste parc.

Pour la restitution des décors de la maison, « Les amis de la Propriété Caillebotte » ont été très actifs : de nombreux donateurs ont permis de faire d’importantes acquisitions. Par ailleurs, le Mobilier national a fait de nombreux dépôts.

La propriété a été labellisée « Maison des Illustres » par le ministère de la Culture et inscrite à l’Inventaire supplémentaire des monuments historiques.

Visite de la propriété caillebotte le dimanche 27 février 2022

Rez-de-chaussée

1-Le vestibule

2-La salle à manger

3-Le salon

4-La salle de billard

5-Le salon Zoé

6-La bibliothèque

Premier étage

6-La salle de l’histoire du domaine

7-8-9-Ces trois pièces sont consacrées à l’évocation de trois membres de la famille Caillebotte : Gustave (le peintre) - Martial (le frère, passionné de photographie, de philatélie, et collectionneur de faïences) – Alfred (demi-frère, curé).

10-La chambre à coucher

Second étage

11-L’atelier du peintre - Au centre, "Le Canotier au Chapeau haut-de-forme" (1878 - coll. privée)

 Musée Robert-Dubois-Corneau

(département : Essonne – 91)

Visite du musée de dimanche 27 février 2022

Le musée est officiellement inauguré en 1980 mais il n'ouvre ses portes qu'en 1988.

Une première salle est consacrée aux œuvres d'Alice Dubois, sœur de Robert Dubois-Corneau, avec des évocations du château de Jean Paris de Monmartel (1690-1766), évocation des constructions du futur Louis XVIII, alors comte de Provence : le grand et le petit château, tableaux du paysagiste Numance Bouel (1824-84), sculptures de Maurice Prost, sculpteur animalier (1894-1969). Une seconde salle est consacrée aux arts du spectacle de la période 1750-1850, autour de la figure du tragédien François-Joseph Talma. Quatre toiles du peintre Maurice Eliot, qui habitait et peignit la région, appartiennent aux collections.

Dans le parc

Premier étage

Alice Dubois : Portrait de femme

Alice Dubois : Portrait d’homme barbu

Photo : Alice Dubois peignant des meules

Dans la cage d’escalier

Second étage

Numance Bouel (1824-84) : La Ferme de Soulins

Maurice Eliot : Le viaduc d’Épinay-sous-Sénart

Florimont Guénot (1825-) : Le petit pont à Savigny-sur-Orge (1876)

Maurice Prost : Lynx caracal (1936). Pierre (à droite)

Maurice Prost : Lion couché. Dessin

Deuxième salle des sculptures de Maurice Prost

Maurice Prost : Jeunesse. Terre cuite, maquette du marbre installé dans le parc (en haut)

Maurice Prost : Sangliers et marcassins (1955). Plâtre

Brunoy - Église St-Médard

(Département : Yvelines - 78)

Visite le dimanche 6 mars 2022

Émile Zolaacheta la maison de Médan en 1878 grâce aux gains de son roman L’Assommoir,publié en 1877, le septième volume de la série « Les Rougon-Macquart ». La maison était limitée à la partie centrale de la maison actuelle.

En 1888, il tombe amoureux de Jeanne Rozerot, la lingère de sa maison de Médan. Il aura deux enfants de Jeanne et jusqu'à sa mort Zola vivra une double vie. Il installera sa deuxième famille à Paris puis à proximité immédiate de Médan. À la mort de Zola, sa femme Alexandrine fit reconnaître les deux enfants naturels, Denise et Jacques, qu'il avait eus avec Jeanne Rozerot.

Zola semble énormément apprécier cette demeure (proximité de sa maîtresse et de Paris) ; c'est pourquoi il y écrit huit de ses romans dont Nana(1880), Au Bonheur des Dames (1883), Germinal (1885),et La Bête humaine (1890).

Les « Soirées de Médan » est un recueil collectif de six nouvelles, publié le 15 avril 1880 chez G. Charpentier éditeur à Paris, réunissant Émile Zola, Guy de Maupassant, J.-K. Huysmans, Henry Céard, Léon Hennique et Paul Alexis. Les six écrivains furent alors périodiquement qualifiés de « groupe de Médan »

En 1905, Alexandrine Zola fait donation de la propriété à l'Assistance publique de Paris pour devenir une maison de convalescence pour enfants.

En 1982/1983, la maison de Médan servit d'école de personnels de santé (ambulanciers). Par arrêté du 21 mars 1983, l'ensemble du domaine est inscrit monument historique.

Alors que les activités sanitaires ont cessé et que le lieu est laissé vide, se pose la question de sa restauration. C'est Jean-Claude Le Blond Zola, petit fils de l'écrivain, qui parvient à faire entendre sa situation à François Mitterrand. 

C'est finalement en 2016 qu'est achevée la rénovation du lieu

Cette bâtisse champêtre où il vécut une vingtaine d'années est aujourd'hui rénovée et accueille depuis 2021 un Musée Dreyfus.

C'est dans un bâtiment annexe à la Maison, construit après la mort de Zola, qu'est aujourd'hui situé le Musée Dreyfus. L'endroit retrace l'histoire d'Alfred Dreyfus (1859-1935), officier français de confession juive, victime d’une machination judiciaire en 1894. Avec Louis Gautier, Président de la Maison Zola, et Philippe Oriol, directeur scientifique du Musée Dreyfus.

L’accueil du musée est installé dans le pavillon Charpentier (à gauche) - Le musée Dreyfus occupe l’ancien lazaret (à droite)

 

Musée de l’Hôtel-Dieu

(près de la collégiale Notre-Dame)

(département : Yvelines - 78)

Visite de l’Hôtel-Dieu de Mantes le dimanche 6 mars 2022

Édifié au XIVe siècle sous le règne de Charles V et fortement remanié au cours des XVI et XVIIe siècles, l'Hôtel-Dieu était une institution gérée par l’Église.

Le bâtiment abritera tour à tour un hospice, un orphelinat, une prison sous la Révolution, un théâtre, un cinéma, avant d'être acquis par la ville de Mantes-la-Jolie en 1962. Inscrite en 1964, à l'inventaire des Monuments Historiques, pour sa façade du XVIIe siècle caractérisée par ses pilastres corinthiens, sa grande rosace ornée d'une tête d'ange ailé et ses ornementations.

La chapelle de l'Hôtel-Dieu est devenue musée en 1996 et labellisé musée de France en 2002. Il détient la plus grande collection au monde d’œuvresdeMaximilien Luce (1858-1941).

Maximilien Luce était l’un des plus grands peintres du début du siècle dernier, ami de Van Dongen, Seurat, Signac, Bonnard ou Pissarro.

Ce peintre post-impressionniste s'est installé dans la région, à Rolleboise, en 1917. Il a particulièrement illustré les thématiques du paysage en vallée de Seine, les activités sur et au bord du fleuve, l’essor industriel, ainsi que les conditions de travail de l’époque.

C’est au musée de l’Hôtel-Dieu à Mantes-la-Jolie qu’est conservée une collection inégalée de toiles du maître. De ses portraits de jeunesse à ses peintures engagées, de ses dessins satiriques à ses toiles de fin de vie, apaisées et empreintes d’un profond bonheur de vivre, le musée nous révèle le parcours d’un artiste enfin réhabilité aux côtés des peintres de son temps.

Frédéric Luce, le fils de l’artiste, a fait don en 1971 d’une partie du fonds d’atelier de son père, à la condition « d’exposer les œuvres dans les locaux aménagés, dans l’ancienne chapelle de l’Hôtel-Dieu ».

Dans les lieux refaits à neuf, on peut découvrir une collection permanente composée de 77 réalisations de l'artiste, essentiellement des tableaux issus de dons, ou acquis par la ville.

Le musée de l'Hôtel-Dieupossède 3 espaces muséographiques:

Au rez-de-chaussée

La dernière salle du rez-de-chaussée met en avant les peintres qui travaillé à Mantes-la-Jolie au XIX^esiècle et au début du XX^e siècle : La Seine, les lavandières, les cheminées d’usines, les baigneurs et voiliers habitent les œuvres d’Hippolyte Camille Delpy, d’Albert Dagnaux, d’Abel Lauvray et d’Alfred Veillet.

Au premier étage - L'univers de l'artiste Maximilien Luce

Les œuvres exposées retracent de façon chronologique et thématique la vie et l’œuvre de Luce

2-Luce néo-impressionniste (1887-1900)

3-Le Monde ouvrier–L’un des sujets favoris de Luce fut celui des travailleurs

4-Peintre d’actualité et d’histoire

Luce trouva ses sujets dans l’actualité. Il se fit parfois le défenseur d’une cause, notamment en prenant position dans l’affaire Dreyfus en 1898. Deux épisodes tragiques qu’il vécut le conduisent à la réalisation d’œuvres héritières du genre de la peinture d’histoire : la Commune de 1871, et la Première Guerre mondiale.

-Étude pour L’Exécution de l’Alsacienne

5-Voyages et paysages

De la Bretagne à la Bourgogne en passant par la Normandie, Luce ne se cantonna pas à Paris, sa ville natale, mais fut au contraire un peintre itinérant, en quête de nouveaux motifs. Dans la continuité des peintres impressionnistes, il peignit d’abord en Ile-de-France, puis franchit très jeune les frontières pour découvrir des pays étrangers.

6-Peindre le Mantois– scènes apaisantes, scènes édifiantes

En 1917, Luce trouva une nouvelle destination, Rolleboise (village à 10 km de Mantes), car son ami Alfred Veillet y résidait. Infatigable marcheur, il parcourait la campagne ; il renoua alors avec la grande tradition du paysage français. Ses œuvres allient une composition solidement ordonnancée à une douceur lumineuse et colorée.

Sa maison fut aussi l’objet de peintures et devint le décor d’une production de sujets bibliques : des « scènes édifiantes ».

7-Peindre le Mantois– Autour des boucles de la Seine

Dans le Mantois, Luce partageait son temps enter l’étude du paysage et des moments conviviaux avec ses voisins et amis. C’est la Seine qui constituait le sujet principal de ses toiles. Luce représente beaucoup de jeunes baigneurs se prélassant sur les rives, nageant ou sautant depuis le plongeoir de Méricourt. En 1941, il fut enterré au cimetière de Rolleboise.

Le second étage est réservé aux expositions temporaires

Exposition : « Les Arts de l’Islam » (les objets proviennent du musée du Louvre)

Etc.

Exposition au MBA d’Orléans 

Markus Lüpertz– « Le faiseur de dieux »

du 5 mars au 4 septembre 2022

 Markus Lüpertz est né en 1941 à Libérec en Tchéquie, et travaille entre Berlin, Karlsruhe et Düsseldorf. Il est considéré comme un des plus importants représentants du néo-expressionnisme allemand. Surnommé « le prince des peintres » pour ses apparitions publiques spectaculaires, pour son utilisation d’une rhétorique égocentrique et pour son style de vie extravagant, il est proche d’autres peintres allemands contemporains comme Jörg Immendorff ou Georg Baselitz.

En opposition aux nombreuses tendances abstraites dans la peinture en vogue dans l'après-guerre, Markus Lüpertz se concentre sur des motifs simples, essentiels et figuratifs, qu’il peint de manière expressive. Cela commence à Berlin au début des années 1960, avec les « peintures dithyrambiques » présentées, en 1964, à la galerie Großgörschen 35.

Entre 1969 et 1977, Lüpertz peint des grands formats dans une série dominée par des motifs extraits de l’histoire allemande (avec des figures symboliques clés comme le casque, les drapeaux, les monuments aux morts, etc.).

À partir de 1977, Lüpertz développe des peintures de « grand style », où il s'approche des styles abstraits nés dans les années 1950. Il développe cette pratique dans le début des années 1980, bien qu’il s’inspire alors de plus en plus de tableaux pris dans l'histoire de l'art (Poussin ou Corot, par exemple).

Quelques commentaires personnels

Quand j’ai vu, récemment, des peintures de Markus Lüpertz que je ne connaissais pas, je les ai trouvées plutôt « moches ». La deuxième fois également…

J’avoue avoir quelques difficultés avec certains néo-expressionnistes allemands comme Georg Baselitz, alors que j’apprécie plus facilement Anselm Kiefer et Bjön Immendorff. Mais je me suis interrogé sur mes réactions concernant les œuvres de Lüpertz, et j’ai pensé qu’on pouvait y percevoir un certain humour à transgresser ainsi, avec autant de jouissance, les références aux codes du « grand genre » en peinture, et de la sculpture classique. Lüpertz, qui semble être un personnage assez excentrique, s’empare des thèmes traditionnels touchant à l’Antiquité, et des personnages du monde gréco-latin : Athéna, Ulysse, Hercule, Judith,  etc. qui sont aussi des représentations du beau idéal, et il les tourne en dérision. Dans ses sculptures en bronze, il utilise des formes volontairement rugueuses et disgracieuses, en les barbouillant de couleurs vives et agressives. Je vois Markus Lüpertz dans la peau d’un « sale gosse » soixante-huitard (malgré ses 80 ans, et 81 ans le 25 avril 2022) espiègle, trublion provocateur et iconoclaste, qui s’amuse en s’attaquant aux symboles et illustrations du "Beau" académique. « Tout ce que vous admirez, regardez ce que j’en fais ! », semble-t-il dire.

Au MBAO– peintures et dessins

Salle des grands formats 1

Arcadie – Nausicaa (2013)

Arcadie – Diane (2013)

Arcadie – Circé (2013)

Salle des grands formats 2

Arcadie frise de la vie II (2013)

Arcadie frise de la vie I (2013)

Jason(2014)

Toit blanc(2013)

Bronze et études pour Hercule (2010)

En ville– sculptures en bronze polychromées

Ulysse

Seconde visite le samedi 21 mai 2022

En 1670, Jean-Baptiste Colbert, ministre de Louis XIV, qui souhaite disposer d'un domaine près de Paris, et non loin de Versailles, achète la terre de Sceaux à la famille Potier de Gesvres. Il procède à d'importantes acquisitions foncières afin d'agrandir le domaine qu'il porte à une centaine d'hectares. Lorsque le fils de Colbert, le marquis de Seignelay, fera l'acquisition de la seigneurie de Châtenay, le parc atteindra la superficie de 225 hectares (environ 700 arpents). Colbert fait agrandir l'édifice au début du 17ème siècle, et dessiner un parc à la française par André Le Nôtre.

Situé au cœur du Domaine de Sceaux qui fut aménagé par Jean-Baptiste Colbert, ministre de Louis XIV, le musée est installé dans le château construit entre 1856 et 1862 pour le duc et la duchesse de Trévise, à l'emplacement de l'ancien Château de Colbert (détruit après la Révolution). Créé en 1937, le musée de l'Ile-de-France regroupe des oeuvres d'art : peintures de paysages, arts, graphiques, céramiques et mobiliers retraçant l'histoire de la région parisienne du XVIIe siècle jusqu'au milieu du XXe siècle.

Les collections du musée comptent 686 peintures, parmi lesquelles de beaux portraits et de remarquables paysages. Environ un quart d’entre elles sont exposées dans le château au rez-de-chaussée et au premier étage.

Fonds d’œuvres d’arts graphiques : 2 500 dessins – 9 500 estampes.

L'orangerie est réservée aux expositions temporaires et à diverses manifestations.

Donations Fautrier, Millet et Dunoyer de Segonzac.

Rez-de-chaussée- Couloir

Première salle– 

Chacune des salles suivantes est consacrée à l’un des propriétaires du château

Pierre Mignard (1612-95) : Portrait de Jean-Baptiste Colbert, marquis de Seignelay (c. 1685 – coll. part.)

François de Troy : Le Festin de Didon et Enée(1704)

Sous couleur d'un sujet mythologique, l'artiste représente en réalité la Cour de Sceaux du duc et de la duchesse du Maine. Selon Le Mercure de France : « Tous les Personnages y sont dans la ressemblance la plus exacte, disposez & ajustez avec toute la grace, la décence & la convenance qu'exigeoient leurs rangs differens & leurs caracteres. Tableau que l'on peut nommer le dernier effort & le chef-d'œuvre de l'Art. »¹En observant l'âge des enfants représentés, Dominique Brême a pu dater cette toile, exposée au Salon de 1704, entre avril et octobre 1702.

Le couple ducal est figuré sous les traits de Didon et Enée tandis que les autres protagonistes n'ont pu tous être identifiés. Le palais de Didon est imaginaire. La toile fut installée dans les appartements des Maine au palais des Tuileries à Paris puis, dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, fut transférée au château de Sceaux. Elle appartenait, en 1997, à une collection particulière américaine.

Acquisition – En février 2008, le Ministère de la Culture avait lancé dans le Journal Officiel un avis d'appel à mécénat pour l'acquisition, par le Musée de l'Ile-de-France à Sceaux, d'un tableau de François de TroyLe Festin de Didon et Enée. La société Totala su profiter des avantages fiscaux liés aux trésors nationaux afin de permettre l'entrée dans les collections publiques de cette œuvre importante, pour la somme de 1 450 000 €.

Premier étage

Sur le palier

Jean-Baptiste Charpentier (1728-1806) : La famille du duc de Penthièvre

Vénus revenant du palais de Neptune – Arion sauvé par un dauphin (allégorie de l’Eau) – Vertumne et Pomone (allégorie de la Terre) – La Pipée de la Bergère – Le Crépuscule

4-Petite salle consacrée à la période révolutionnaire

Constant Troyon (1810-65) : L’Entrée du village à Sèvres (1834)

Léon Fleury(1804-58) : Saint-Cloud et la lanterne de Démosthène (1837)

Plusieurs meubles de l’ancien château de Neuilly, présentés dans l’ancienne chambre de la duchesse de Trévise. Cet ensemble comprend notamment un lit prestigieux commandé par la princesse Caroline Murat à l’ébéniste Jacob-Desmalter, une paire de consoles en acajou ayant appartenu à la princesse Clémentine d’Orléans

Dans  les anciennes écuries du château - Exposition temporaire– du 6 mai au 17 août 2022

« Le Trait et l’Ombre » - Acte 1 : de Poussin à David

7-Portraits et personnages

Quentin de La Tour (1704-88) : Portrait d'un jeune Noir (1747)

Aignan-Thomas Desfriches (1715-1800) : Vue de la ville d’Orléans (1761). Gravure (Photo musée d'Orléans)

Acte2 - de Géricault à Picasso, présenté du 8 septembre au 31 décembre 2022 sera consacré aux deux siècles suivants (19^e-20^e). 

Le beau parcmérite une visite, avec l'orangerie, le Pavillon de Hanovre, et le Pavillon de l'Aurore.

 Musée Rude

(Département : Côte-d’Or – 21)

Visite du musée Rude, le dimanche 12 juin 2022.

En 1947 la ville de Dijon fonde ce musée Rude dans le transept et le chœur de l'église Saint-Étienne, dédié au sculpteur dijonnais François Rude (1784-1855), un des maîtres de l’école romantique.

Le musée expose des moulages en plâtre grandeurs natures acquis par la municipalité entre 1887 et 1910, des principales œuvres de l'artiste exposées dans d'autres musées de France.

Jeanne d’Arc écoutant ses voix

Buste de J-François de Galaup, comte de La Pérouse (1828). Plâtre

Buste du Maréchal de Saxe (1838). Plâtre

(Département : Côte-d’or – 21)

Visite le dimanche 12 juin 2022

Le musée des Beaux-Arts de Dijon est situé au cœur de la ville, il occupe l'ancien palais ducal, siège au XV^e siècle de l’État bourguignon. Lorsque le duché est rattaché au royaume de France, le palais devient le logis du roi, puis se transforme au XVII^e siècle en palais des États de Bourgogne, sur un projet de Jules Hardouin-Mansart.

À partir de 2006, le musée fait l'objet d'une rénovation totale et d'un agrandissement. Le musée, entièrement rénové avec 1 500 œuvres sur 50 salles, est inauguré le 17 mai 2019

Aujourd'hui, les collections du musée sont parmi les plus riches des musées français. De l'Antiquité à l'art contemporain, de la peinture aux arts décoratifs en passant par les dessins et les sculptures, toutes les formes d'art sont représentées au sein des quelque 130 000 œuvres conservées.

Les collections médiévales sont sans doute les plus remarquables, par leur qualité et leur quantité.

Le tombeau de Philippe le Hardi, orné de pleurants, et celui de son fils Jean sans Peur, sont parmi les plus célèbres monuments funéraires de la fin du Moyen Âge.

La collection médiévale est riche de peintures italiennes, flamandes, et d'un ensemble de peintures suisses et allemandes unique en Franc

La Renaissance italienne est brillamment représentée avec un beau choix de peintures et un ensemble d'objets d'art. L’École de Fontainebleau est représentée.

La peinture européenne du XVII^e siècle est particulièrement bien représentée, de l'Italie aux Pays-Bas en passant par la France et les Flandres. En contrepoint, les œuvres bourguignonnes permettent d'observer comment les artistes régionaux ont réagi aux grandes nouveautés de leur époque.

La plupart des grands peintres du XVIII^e siècle sont présents.

Dominées par l'École française, les collections du XIX^e siècle forment un ensemble homogène qui fait la part belle aux artistes d'origine bourguignonne. Du romantisme au symbolisme, en passant par le réalisme, l'académisme, et l’impressionnisme, cette collection reflète les mutations d'un siècle foisonnant et novateur. L’orientalisme est aussi représenté par quelques peintres.

Le XX^e siècle est fortement associé à l'importante donation effectuée par Pierre et Kathleen Granville en 1974, 1976 et 1986. À côté de la donation Granville, des artistes régionaux et des peintres figuratifs prolongent la tradition du XIX^e siècle.

Le musée s'ouvre à l'art du XXI^e siècle, avec notamment les œuvres de Yan Pei Ming.

En raison du grand nombre d’œuvres exposées, seule une sélection est présentée dans cet article.

Le Moyen Age en Europe - Du Ve au XVe siècle– 2(les collections médiévales sont très riches)

Maître de Montefloscoli (début 15e) : La Vierge et L’enfant entre St Jacques, St Antoine et deux saintes(c. 1400 - au centre)

Neroccio di Landi (1447-1500) : Vierge à l’enfant (à droite)

Taddeo Gaddi(1300-66) : L’Adoration des Bergers(c. 1327 - à droite, en haut)

Biagio d’Antonio (1446-1516) : L’Adoration des Mages (à droite, en bas)

Le Moyen Age en Europe - Du XVe au XVIe siècle - 3

Suisse ou Allemagne du sud (début 16^e) : St Sébastien. Huile sur bois

La Cène – Le Christ au Mont des Oliviers – Le Christ devant Caïphe – La Flagellation

St Fridolin accompagné du mort qu’il a ressuscité - St Otmar

Maître de Saint-Jean-de-Luze : Portrait dit de Jeanne de Montagu. Huile sur bois

Triptyque de la Crucifixion. Portement de croix – Crucifixion – Résurrection

Les Tombeaux des ducs - 7

La Renaissance en Europe

La Renaissance en Italie XVe - XVIe siècles - 16

France (c. 1510) : Jeune Homme coiffé d’une Toque

La Renaissance française– XVIe- 17

Nicolas de Hoey : Denise Barjot, femme du conseiller au Parlement de Bourgogne, Claude Bretagne et ses filles (1607). Huile sur bois

Le maniérisme en Europe – XVIe - 18

Le XVIIe siècle en Europe

Traduire la réalité du monde– Pays-Bas - 20

Un nouveau genre : le paysage

La France et l’Italie – milieu XVIIe - 21

Bernardo Strozzi (1581-1644) : Ste Cécile et l’Ange (c. 1630)